Il Ne S’agit Pas Seulement De Sauver La Toile, Mais Aussi De Peindre Par-dessus Une Peinture à L’huile Qui A échoué. Terence Clarke Explique Comment Cela Peut être Libérateur.
Chaque peintre a éprouvé le sentiment d’être vaincu lorsqu’un tableau est perdu. Il n’y a rien que vous puissiez faire si vous utilisez de l’huile trop épaisse et que la peinture sèche. Une fois que vous acceptez que le travail est un échec, vous pouvez repeindre la toile.
Il est impossible de remplacer le sentiment de ne rien perdre qui l’accompagne. Mon expérience est que les plus belles images sont souvent créées par l’expérience thérapeutique de travailler sur une peinture ratée.
La toile que j’utilisais ici avait été complètement séchée et il y avait de très grosses taches d’empâtement. J’avais une idée de nature morte, alors j’ai décidé d’utiliser la surface rugueuse et prête que j’avais repeinte.
Alors que je travaillais rapidement pour bloquer la composition et le dessin, j’ai reçu une réponse rapide de la surface. J’ai apprécié le mélange de zones lisses et rugueuses. L’approche insouciante m’a permis de travailler rapidement et sans me soucier de ce qui allait se passer.
La texture rugueuse n’était pas un problème, mais c’était rafraîchissant d’avoir une sensation plus picturale dès le début. La nouvelle peinture a simplement glissé en place, se fondant parfaitement avec la sous-couche pour établir un dialogue entre le dessin et la peinture.
En une heure, j’ai eu une belle photo avec des couleurs et des marques riches et variées. Le caractère aléatoire de ma sous-couche a ajouté à la réponse créative. Vous pouvez apprendre à peindre sur une peinture existante en suivant les étapes ci-dessous.
Matériaux De Terences
- Huiles : Blanc de Titane, Jaune Citron (Primaire), Ocre Jaune et Vermillon. Toutes les huiles Lukas Terzia. Magenta Quinacridone, Bleu Manganèse. Les deux huiles d’artistes Sennelier.
- Toile : Toile apprêtée, 40x40cm
- Pinceaux Avelines en poils de porc en tailles 3 et 4 et plats en poils de porc en taille 5 tous Rosemary & Co.
- Èsprit blanc
Comment Peindre Sur Une Peinture à L’huile
1. Éliminer L’ancien
J’ai commencé par enlever la peinture ratée avec une brosse plate. Pour créer une sous-couche crémeuse aux tons moyens, j’ai mélangé l’ocre jaune et le vermillon avec un peu de white spirit. Vous devez appliquer la peinture uniformément sur la surface, mais pas trop pour gâcher l’image d’origine. La sous-couche crémeuse a fait en sorte que les crêtes et les bosses de la peinture originale ont disparu. Cependant, l’image a disparu. Cette sous-couche a été laissée sécher pendant deux semaines.
2. Dessinez La Nouvelle Image
La nouvelle composition a été réalisée à partir d’un mélange dilué Bleu de Prusse/white spirit. C’était presque comme si j’utilisais un feutre sur la surface de l’huile. La peinture diluée a fonctionné à merveille avec elle. J’ai pu ajouter une structure tonale à la surface de l’huile en raison de son pouvoir absorbant. Comme je voulais imprimer la nouvelle image au-dessus de celle existante, j’étais audacieux et confiant. Il est évident que la peinture plus épaisse établissait la nouvelle image au-dessus de la peinture originale.
3. Tous Les Coins Couverts
La cafetière était le sujet principal de cette photo. Vous pouvez voir que toutes les zones de la toile ont été travaillées, même si rien n’est encore trop détaillé. La sous-couche chaude a permis de garder les couleurs et les tons cohérents tout au long de la composition. Pour décrire les tons clairs de mon tableau, j’ai fait en sorte de garder les couleurs les plus foncées très fines derrière le pot.
4. Utilisez La Surface
La peinture a pris une sensation d’empâtement pendant que je travaillais dans la structure. Les bosses et les crêtes de l’ancienne peinture ont attrapé la nouvelle peinture en taches épaisses et inégales. Comme vous pouvez le voir, j’ai travaillé de manière très lâche et j’ai laissé la surface me guider.
5. Peignez Avec De La Couleur
La peinture en cours est similaire au dessin, mais avec un pinceau plus gros. La sous-couche claire rassemble les couleurs, et peut même être utilisée temporairement pour mettre en valeur la tomate. Les lignes ont été faites disparaître par le Vermillon rouge vif brossé dans la structure linéaire stricte. Les lignes étaient absorbées par la peinture et décrivaient les formes.
6. Gardez-le Ouvert
Étant donné que les zones d’empâtement de la peinture originale étaient encore visibles à ce stade, j’ai dû utiliser une peinture épaisse pour les recouvrir. Le résultat était des passages riches et sensuels, où la peinture s’est construite de manière presque abstraite. La surface du tableau rappelle que la peinture a été appliquée librement. Pendant que je travaillais, j’essayais de garder la peinture ouverte.
7. Le Dessin Peut être Ajusté
Le dessin original avait besoin d’être ajusté pendant que je travaillais sur l’image. Pour tailler le haut de l’ellipse de la cafetière, j’ai utilisé mon mélange de Bleu de Prusse dilué et une noisette taille 2. J’ai également modelé sa forme en ajoutant de petites touches de couleur aux formes arrondies. Pour aider à définir les bords de ma cafetière, j’ai utilisé les couleurs de la table et le tissu bleu.
8. Changez Votre Concentration
Voici le fond que j’ai créé. C’était plus lâche et moins défini que les objets de nature morte. J’ai pu changer l’ambiance générale de la peinture en changeant mon objectif. Pour donner à l’image une variété de détails et de descriptions, j’ai peint le miroir et le mur de manière très lâche.
9. Travaillez Le Gras Sur Le Maigre
La technique classique de peinture à l’huile exige que la peinture sur les zones plus claires soit plus épaisse que celle sur les zones plus sombres. Ceci est souvent appelé gras sur maigre. Rembrandt était le représentant le plus célèbre de cette méthode. Ce détail montre que ma zone la plus claire est aussi épaisse que possible, tandis que la poignée bleu-noir a été peinte très finement.
10. Étalez-le épais
Ici, vous pouvez voir la quantité de peinture que j’ai utilisée pour couvrir les traces de la peinture précédente. Il est également évident que la forme de l’anse de la cafetière était déterminée autant par son épaisseur que par la ligne elle-même. La surface de la cafetière a des couleurs réfléchies qui sont également évidentes. Le couvercle du pot montre à quel point les changements de ton ont été subtils pour obtenir une forme aussi délicate.
11. Contraste Et Couverture
Malgré tous les progrès réalisés, il y avait encore des zones où des cales épaisses laissées par la peinture précédente. Pour détourner l’attention des bosses et des bosses, j’ai utilisé de grands traits d’empâtement pour blanchir cette zone. Cet épaississement a également rendu difficile la vision de l’image ci-dessous.
12. Touches Finales
Bien que le dessin ait une sensation lâche, il est extrêmement précis. J’ai utilisé beaucoup de modulation de couleur à la fois sur le pot et sur les zones de fond et de tissu. La nature picturale de l’image vous rappelle la surface de peinture vibrante. Cela vous permet d’aller au-delà de la sensualité de la surface et dans l’image.
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